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Muere Miriam Makeba, Mama África

Miriam Makeba, (4 de marzo de 1932 – 10 de noviembre de 2008), la legendaria cantante surafricana, falleció a los 76 años en un hospital de Castel Volturno (Caserta) después de participar en un concierto de apoyo al escritor Roberto Saviano amenazado por la Camorra.

Makeba desarrollo una larga carrera artística y discográfica que se prolonga por más de 50 años y más de 30 Álbumes y recopilatorios. Sus canciones que llegaron al corazón millones de personas en todo el mundo, la convirtieron en Mama África y en un todo un símbolo de las luchas del continente africano. En sus canciones -mezcla de jazz, protesta y folklore- se refería a la libertad, la justicia y el entendimiento de los pueblos. Entre sus grandes éxitos figuran: Live Humble, Hush, Orlando (de clara influencia Gospel); Sindiza Ngecadillacs, Phansi Kwalomhlaba, Can`t Cross Over, The Click Song (Jazz); Phata Phata, Pata Pata, Jolinkomo, Thanayi, Umqokozo, Kilimanjaro, Amampondo (Influencias etnicas y raíces africanas); Sophiaton is gone, African Convention, West Wind, Soweto Blues, A Luta Continua, Forbidden Games, (Sus grandes éxitos de claro contenido político).

¡Yo no canto acerca de política, yo canto sobre la verdad!

Miriam Makeba nació en Johannesburgo pero pasó su infancia en Pretoria (en el Transvaal). Inició su carrera en la década de 1950 cuando comenzó a cantar con el grupo Manhattan Brothers, mas tarde fundó su propia banda, The Skylarks, que mezclaba jazz con música tradicional surafricana. Entre sus influencias musicales se encuentran: Ella Fitzgerald, Sarah Vaughn, Billie Holliday y las Andrew Sisters.

A mediados de la década de 1950, Makeba alcanza gran popularidad y éxito en todo su país. Ella intentaba seguir desarrollando su carrera artística pero esta cada vez mas harta de los problemas de movilidad que supone el apartheid para los artistas negros en África del Sur. Decide participar en el documental Come Back África y posteriormente asiste al festival de Venecia en 1959. Allí conoce a Harry Belafonte, quien se convierte en una especie de mentor artístico y le invita a visitar los Estados Unidos. Mientras esta allí se produce la matanza de Sharpeville en donde mueren dos familiares suyos. La cantante se ve obligada a permanecer durante 8 años en el país.

Durante su estancia en los Estado Unidos, Makeba comparece ante la ONU y en un encendido mensaje denuncia la situación del régimen del apartheid en África del Sur y condena la pasividad y complicidad de muchos gobiernos occidentales. En 1963, el Gobierno surafricano en represalia prohibió todos sus discos, le revoca su ciudadanía y le impide regresar al país. Makeba tendrá que vivir en el exilio en Estados Unidos, Europa y Guinea por los siguientes 30 años.

Makeba gracias a su acogida en Estados Unidos desarrolla una exitosa carrera musical que le permite convertirse en una sensación internacional. Cada vez realiza mas giras mundiales y se vuelca en una intensa actividad política contra el ‘apartheid’ en su país.  Makeba fue la primera artista negra que ganó un premio Grammy, en 1965. Dos años después alcanzó fama internacional con el Pata Pata, canción inspirada en una danza de las chabolas de Johannesburgo. El éxito de la canción fue tal que le dio el inmenso honor de convertirse en la primera cantante no anglosajona que alcanzó los primeros lugares en los rankings de música pop.

Esta inmersión en la política hacen que se convierta en el símbolo de la lucha contra el apartheid en una figura respetada y venerada en todo el mundo como Mama África, En 1968 se casó con el líder de las Panteras Negras Stokely Carmichael, y su discográfica decide rescindir su contrato. De otra parte, la continua vigilancia del FBI obligó a Miriam y a su marido a trasladar su residencia a Guinea Conakry, donde residió hasta su regreso a Sudáfrica el 10 de junio de 1990 tras la excarcelación de Nelson Mandela, quien fue la persona que le convenció para que regresara a su país.

En el año 2001, fue galardonada con el Premio de la Paz Otto Hahn, otorgado por la Asociación Alemana de la ONU. En 2002 fue galardonada con el Polar Music Prize que otorga la Real Academia Sueca de Música.

Carrera Discográfica:

Miriam Makeba (1960), The Many Voices of Miriam Makeba (1960), The World Of Miriam Makeba (1962), Makeba (1963), Makeba Sings (1965), An Evening With Belafonte. Makeba with Harry Belafonte (1965), The Click Song (1965), All About Makeba (1966), Malaisha (1966), Miriam Makeba in Concert (1967), Pata Pata (1967) Makeba (1968), The Promise: Miriam Makeba Album (1974), Country Girl (1975) Phata Phata (1977), Sangoma (1988), Welela(1989), Sing Me A Song (1993), A Promise : Miriam Makeba (1994), Live From Paris & Conakry (1998), Homeland: Miriam Makeba, 2000, Keep Me In Mind (2002), Reflections (2004) , Live at Berns Salonger , Stockholm, Sweden: 1966-2003 (2003), Makeba Forever 2006 (Su último disco) .

Recopilatorios

The Queen of African Music – 17 Great Songs (1987), Eyes on Tomorrow, (1991), Africa 1960-65 Recordings, (1991), The Best Of Miriam Makeba & The Skylarks 1956-59 Recordings, (1998), Mama Africa: The Very Best Of Miriam Makeba, (2000), The Guinea Years, (2001), The Definitive Collection, (2002), The Best Of The Early Years, (2003).

En su autobiografía, Makeba: My Story escribió: “He mantenido mi cultura, he mantenido la música de mis orígenes y gracias a ello me convertí en esta voz y esta imagen de África y de su pueblo, sin ser consciente de ello”. Así vivió y murió Miriam Makeba cantando y diciendo la verdad en un escenario italiano hasta sus últimos minutos de su vida fiel a su ideal artístico y su compromiso moral y personal, ¡Yo no canto acerca de política, yo canto sobre la verdad!

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www.yma-sumac.com

La mítica cantante Yma Súmac, una de las más prodigiosas voces líricas de su tiempo, falleció el sábado a los 86 años en Los Ángeles, Estados Unidos, según un comunicado publicado en su página Web.  Yma Súmac, para los expertos, fue una de las más bellas y poderosas voces femeninas en la historia de la música.

Su verdadero nombre era Zoila Augusta Emperatriz Chavarri del Castillo, pero se haría mundialmente famosa con el nombre indígena de Yma Súmac ( supuestamente significa” la más linda” en quechua). La cantante peruana nació el 10 de septiembre de 1922 en la población andina de Ichocán, en el departamento norteño de Cajamarca. Su padre era de origen español y su madre inca. Según Yma, al ser su madre una princesa inca y ella la menor de los 6 hijos del matrimonio,de acuerdo con la tradición inca ella heredó todos los privilegios tras la muerte de su madre . La cantante alegaba ser descendiente directa del último emperador inca, Atahualpa, pretensión que incluso llegó a evidenciar con documentos oficiales peruanos en 1942.

Sus orígenes musicales fueron muy modestos, Yma fue descubierta cuando tenia 13 años por un funcionario gubernamental peruano mientras ella realizaba una actuación en su pueblo. De allí, la llevo a Lima, dando inicio a una larga carrera artística de más de 60 años que desde muy joven le hizo recorrer los escenarios de América Latina, Estados Unidos y Europa. Vivió por un tiempo en Nueva York, pero en 1950, contratada por la compañía Capitol Records, se instaló definitivamdnte en Hollywood, desde donde salía a cumplir sus giras por todo el mundo. La intérprete pasó los siguientes 60 años de su vida en la meca del cine y allí fue enterrada, tras luchar durante varios meses contra un cáncer de colon.

Mito del exotismo

El momento en que Yma Súmac alcanzó gran popularidad es el período posterior a la Segunda Guerra Mundial, cuando en Estados Unidos lo exótico se puso de moda como un mecanismo de evasión de la realidad, tras la dureza de la guerra. Para ese fin los productores se valen de la incorporación de personajes exuberantes y de la recreación de lugares evocadores de otras culturas dotados casi siempre de cierto aire de pastiche naif y kistch para entretener a las masas. Un crítico del diario Los Ángeles Times, Don Heckman, una vez describió a la cantante peruana como “una fantasía musical, en technicolor, viva, que respira, una ilusión caleidoscópica de lo exótico según lo produce la Metro Goldwyn Mayer en tiempos de pragmatismo”.

Su primer disco, la Voz del Xtabay de 1950, en pocos días vendió 500.000 copias.  Yma fue No. 1 en las listas de ventas hasta finales de los años 50 llegando a superar en ventas a cantantes de la talla de Bing Crosby y Ethel Merman.

En las décadas siguientes su vida transcurrió en escenarios del mundo, incluidos los soviéticos, a los que llegó por petición expresa de Nikita Kruschev. Pocos grandes países se “quedaron sin ver su exótica belleza indígena y sin oír en directo su voz privilegiada”.

Según el New York Times en su obituario “Yma Súmac, entró de repente a los escenarios de los Estados Unidos de los años 50 como un tornado gracias a la publicidad de lo exótico acompañada de una voz que se deslizaba por lo sobrenatural con un registro inusual de cuatro octavas, que le catapultó en lo mas alto de las lista de ventas de la época, llenando clubes nocturnos y convirtiéndose en una heroína de culto”. Prosigue señalando que el hecho que es indisputable es que “Súmac creo la sensación de ser una cantante de otro Planeta mientras vendía millones de discos, realizaba decenas de apariciones en escenarios y películas; galas en importantes salas de conciertos europeas y cobraba la astronómica suma de $25.000 dólares de la época por sus apariciones en Las Vegas.”

Gracias a su rara voz fue bautizada como la ‘Canora peruana’ o ‘el ruiseñor de los Andes’ y conquistó millones de admiradores desde los años 50 por todo el mundo. En una época en que la voz de las cantantes de ópera alcanzaba, dos octavas y media, Súmac se convirtió en una leyenda, ella alegaba que con “su voz alcanzaba registros sorprendentes, que abarcaban las cinco octavas y de los que se decía que no habían sido alcanzados antes por nadie”. Si bien es cierto que en “un solo tema y en cuestión de segundos, podía pasar de los tonos de soprano de coloratura hasta los bajos más graves. Algo que según los expertos sólo fue posible, al margen del entrenamiento, por un prodigio de la naturaleza.” La verdad es que aunque su inusual voz tenía un registro de cuatro octavas entre los críticos nadie dudaba que su habilidad vocal pertenecía al registro de la opera y su escala de “ninguna manera era ni extraña ni inhumana en sonido.” Súmac era una gran mitómana y le encantaba ampliar su leyenda por eso solía “decir que los animales de la jungla habían influido en su gusto musical.”

¿Diosa Kitsch o heroína de culto?

Durante sus presentaciones en vivo Yma Súmac adoptaba “poses mayestáticas y sujetaba con grandes broches hacia atrás su larga cabellera negra lo cual resaltaba aun más sus exóticos pómulos”. También utilizaba recargados maquillajes y le gustaba lucir un vestuario ampuloso, con enormes y lujosas capas que remataba con abundantes joyas en oro y plata. Su vistosa indumentaria iba desde las tradicionales vestimentas indígenas hasta impensables tocados y adornos kitsch que harían que el armario de la cantante Cher luciera hoy día como el de una aficionada.

Toda esta vivaz puesta en escena para acompañar una voz que reproducía con pasmosa facilidad, extraños e inimaginables sonidos, canciones folclóricas o los ritmos más modernos como el jazz y el mambo, hicieron que gozara de una amplia y vario pinta gama de admiradores y aficionados de sus sonidos etéreos que iban desde los fanáticos de la música lounge hasta rockeros. También que mas tarde surgiera alguno que otro detractor (aunque los menos) acusando todo esto de delirios kitsch.  Por ejemplo, el Tampa Tribune en 1996 llego a sugerir que el “tribalismo” de Súmac era “el perfecto decorado para una fiesta de despedida de solteros que se celebrase en el espacio” o frases tan ambiguas como la siguiente, en donde resulta muy difícil suponer si es un halago o se trata de una crítica. Dice el diario “¡sus conciertos son como el guión de una película de Disney cuyo tema es un diario de viajes por América del Sur, solo que quién la dirige es Dalí!


Segun la Wikipedia ” El registro vocal de Yma Sumac abarca las 5 octavas, siendo la primera cantante en alcanzar este rango en la historia de la música. La nota más alta de la peruana era de un Mi7, producido en varios conciertos pero nunca escuchado en grabaciones, y su nota más baja fue un Mi2. Lata Mangeshkar o Mariah Carey han sido comparadas con ella, a pesar de que ésta última haya llegado solamente a Sol#7. Yma Sumac posee la particularidad única de interpretar todos los papeles de la ópera desde soprano de coloratura hasta los graves profundos de un bajo con pleno dominio de todos los registros sin el uso de falsete ni del registro de silbido.  Yma Sumac fue también conocida por ser la única que logró hacer la triple coloratura conocida como trino de aves en la canción “Chuncho”, además de superar a Erna Sack en las notas altas y a Mado Robin con su famoso Re7.”

Aunque su voz parecía diseñada para lo clásico, Súmac no se quedó sólo en ese campo. De la mano de su entonces esposo, el músico peruano Moisés Vivanco, se aventuró en los géneros de la época, como el  mambo. Incluso, llegó a cantar con grandes figuras del mundo de la opera..

La voz de Súmac quedó inmortalizada en diversas producciones discográficas y en cintas de Hollywood. Sus primeras grabaciones datan de 1944, y su discografía incluye temas como ‘A ti solita te quiero’, ‘El picaflor’, ‘La Benita’, ‘Amor’, ‘Amor indio’, ‘Waraka tusuy’ y ‘Carnaval indio’. Los títulos de sus álbumes y las fechas dan un bosquejo de la extensión y amplitud de la carrera artística de Yma Súmac: Voz del Xtabay (1950); Leyenda de la virgen del Sol (1953); Inca Taqui (1953); ¡Mambo! (1955); Leyenda del jíbaro (1957); Fuego del Ande(1959), y en 1972 Milagros con música de rock.

En la cima de su carrera musical Yma Súmac también participó en las películas ‘Secreto de los Incas’ en 1954 y ‘Omar Khayyam’ en 1957. Además interpretó el tema principal de la pelicula de Disney, La Bella Durmiente de 1972.

Los recitales periódicos y el lanzamiento en 2005 de Queen of Exotica, una enorme antología de su trabajo, alimentaron el fervor de sus más ardientes admiradores, y, según algunos críticos musicales, “Yma Súmac fue una inspiración para artistas punk y rock.”

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Diamanda Galás, la vanguardista e inclasificable artista estadounidense de origen griego se presentará en dos únicas funciones en el teatro Albeníz de Madrid como parte de la inauguración de la Edición XXV del Festival de Otoño. El día 13 de octubre, interpretará parte de su trabajo recogido en La Serpenta Canta (2003) y el próximo día 15 de octubre, en Songs Of Exile (Canciones del Exilio).

En opinión de la escritora Susan McClary (1), la obra de Diamanda Galás (California, 1955) constituye “un nuevo momento en la historia de la interpretación musical” y describe su trayectoria en términos de que: “Galás surge como una importante figura dentro de la representación artística post-moderna desde los años setenta”. Más allá de que algunos consideren su obra como para minorías se puede afirmar que su trayectoria artística desde su debut en 1979 durante el Festival de Avignon, le han hecho ganarse un sitial indiscutible dentro del panorama musical y cultural de finales del siglo XX y comienzos de este siglo.

Diamanda lo ha conseguido gracias al alcance de su privilegiada voz unida al talento musical único e irrepetible de Diamanda. Ella es una virtuosa del piano, tecladista, compositora que ha sabido fundir las vanguardias contemporáneas, junto al blues y las canciones y técnicas de interpretación tradicionales de los pueblos mediterráneos. El particular timbre de su voz es excepcional y alcanza un registro de 3 y media octavas.

Ya desde en su debut Diamanda impresionó a muchos críticos con su interpretación del papel principal de la opera “Un Jour comme un autre,” del compositor esloveno Vinko Globokar, basada en documentos recopilados por Amnistía Internacional sobre el caso de arresto y tortura de una mujer turca acusada de traición. Pero, su obra no gozará de amplia atención y reconocimiento internacional hasta sus trabajos Wild Women with Steak Knives de 1980 y el album The Litanies of Satan de 1982. De otra parte, recibió gran atención pública tras la polémica generada por su concierto durante la grabación en directo de su disco de Plague Mass 1984 -End of the Epidemics en la Saint John the Divine en Nueva York. La obra es una Misa de difuntos que consta de fragmentos de textos bíblicos y es una condena a la Iglesia Católica y a la sociedad en general por su indiferencia ante las victimas del SIDA.

A lo largo de su intensa carrera, ella ha abordado innumerables propuestas vanguardistas llenas siempre de compromiso político, solidaridad y de condena a la injusticia, al dolor y al sufrimiento humano. Entre sus trabajos destacan, los de apoyo a las victimas del SIDA, de condena del genocidio turco en Armenia o de la pena de muerte.

Galás ha interpretado la obra poética de Baudelaire, Passolini, Gerard de Nerval, Vallejo, Siamanto, Adonis, Paul Celan y Henry Michaux. También participó en un proyecto colectivo de homenaje a Edgar Allan Poe en 1997.
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(1) McClary, Susan, Feminine Endings: Music, Gender, and Sexuality. Minnesota: University of Minnesota Press, 1991.

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