Caspar David Fiedrich en la Fundación March en Madrid

Exposición sobre Caspar David Fiedrich en la Fundación March en Madrid

El próximo 16 de octubre dará inicio la temporada de eventos culturales de la Fundación Juan March en Madrid, con la apertura de la exposición Caspar David Fiedrich: Arte de dibujar.

Según el programa de eventos de la Fundación correspondiente al trimestre julio-septiembre de 2009, la exposición esta centrada en el proceso creador de Caspar David Friedrich (1774-1840), “el pintor de paisajes más importante del Romanticismo alemán. Tiene como objetivo “mostrar tanto la belleza sustantiva de su dibujo, como la función de sus dibujos y bocetos como estudios compositivos previos para sus obras pictóricas”.

La exposición Caspar David Fiedrich: Arte de dibujar consta de “68 obras en papel en diversas técnicas (lápiz, gouaches ya acuarelas) y estados: desde bocetos iniciales, realizados al aire libre durante las jornadas de trabajo en plena naturaleza y los viajes del artista hasta algunas obras finales agrupadas según los motivos y temáticas más recurrentes en la obra de Fiedrich: árboles, paisajes, edificaciones y arquitecturas o ruinas entre otros”.

Las obras expuestas proceden de algunos de los más importantes museos estatales alemanes y del norte de Europa. Entre ellos: el Germanisches Nationalmuseum de Nuremberg; el Kunsthalle de Bremen; el Kunsthalle de Karlsruhe; Staatliche Kungtsammlungen Dresden en Dresde; el Staatliche Museen zu Berlin-Presusssischer Kulturbesitz en Berlin; the National Museum of Architecture Art and Design de Oslo; así como de numerosos coleccionistas privados internacionales.

Este proyecto en el que la Fundación viene trabajando desde 2006, cuenta con la asesoría científica de Cristina Grummt, la máxima especialista en la obra sobre papel de Friedrich. El catálogo de la exposición recoge comentarios y textos de Werner Brisch y de Helmut Bösch-Supan dos de las máximas autoridades sobre la obra del celebre paisajista alemán.

La exposición Caspar David Fiedrich: Arte de dibujar podrá ser contemplada en las nuevas salas de exposiciones de la Fundación Juan March en la Calle Castelló 77 en Madrid hasta el próximo 10 de enero de 2010.

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Google ofrece una visión unica de 14 obras maestras del Museo del Prado.

Google ofrece una visión única de 14 de las obras más emblemáticas del Museo del Prado

Recientemente se hizo público el anuncio de que catorce de las obras más representativas de la pinacoteca española podrán ser admirados y estudiados al detalle a través de Google Earth. El proyecto es pionero en todo el mundo y permite navegar por los cuadros con un realismo espectacular, visualizando detalles que el ojo humano sería incapaz de detectar con una visión directa de la obra.

A juicio de la dirección del museo “no hay nada que supere la contemplación de una obra de arte en directo, pero nunca hasta ahora se ha podido admirar con este altísimo nivel de detalle los 14 cuadros del Museo del Prado que acaban de ser incorporados a Google Earth. El jardín de las Delicias, Las Tres Gracias o El Caballero de la Mano en el Pecho pueden ser observados con una calidad microscópica que permite hasta ver las costuras de la restauración del lienzo de Las Meninas”.

Según ha explicado Clara Rivera, responsable de Geolocalización de Google España durante la presentación de este novel proyecto “es una visión única. En un el museo no nos podemos acercar tanto al cuadro o necesitaríamos una escalera de tres metros para obtener estas visiones”.

Google ha financiado enteramente este proyecto que “le ha llevado a fotografiar, en colaboración de la compañía madrileña Mad Pixel, trazo a trazo las 14 obras maestras del Prado en mega alta resolución para después componer todo el cuadro como si se tratase de un puzzle digital. En total se han realizado 8.200 fotografías”. La magnitud del proyecto es de tal envergadura que solo para El jardín de Delicias se realizaron unas 1.600 fotos.

Este sistema desarrollado por Google permite “navegar por la obra, acercarse y seleccionar el detalle que se quiere ampliar gracias a los 14.000 megapíxeles de resolución de las imágenes, que suponen una nitidez hasta 1.400 veces mayor que la que se obtendría con una cámara digital de 10 megapíxeles de las que usa en la actualidad cualquier turista”.

Por el momento, Google Earth se va a limitar a esta exposición reducida del Museo del Prado, pero no se descarta la posibilidad de ir incorporando nuevas obras y de otras pinacotecas. “Tendremos que evaluar la acogida que recibe esta iniciativa”, ha comentado el director general de Google España, que no quiso desvelar la inversión que ha supuesto este proyecto, el cual considera un “hito y un placer”.

Para llevar a cabo este proyecto fue necesario que el Museo del Prado abriese por las noches para poder realizar las miles de fotografías, que han llevado más de tres meses de trabajo, a los que se hay que sumar otros cuatro meses mas para poder poner en marcha la navegación a través de Google Earth. ¡Tras meses de arduo trabajo es muy fácil poder disfrutar de estas maravillosas reproducciones digitales! Tan solo hay que descargarse el programa de Google Earth, activar la visión en tres dimensiones y pinchar sobre el museo del Prado.

A continuación las 14 obras disponibles en Google Earth:

La Crucifixión, Juan de Flandes

El caballero de la mano en el pecho, El Greco

La familia de Felipe IV o Las Meninas, Velázquez

El sueño de Jacob, Ribera

El 3 de mayo, Goya

La Anunciación, Fra Angelico

El Cardenal, Rafael

El emperador Carlos V, a caballo, en Mühlberg, Tiziano

Inmaculada Concepción, Tiepolo

El Descendimiento, Roger van der Weyden

El jardín de las Delicias o La pintura del madroño, El Bosco

Las tres Gracias, Rubens

Autorretrato, Durero

Artemisa, Rembrandt

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Cow Parade: últimos días en Madrid

Vaca Milkman en la Puerta del Sol, Cow Parade Madrid, 2009

Último días en Madrid

Desde el pasado 16 de enero, los 105 ejemplares que componen el Cow Parade Madrid 2009 se han podido apreciar por algunas de las calles y plazas mas emblemáticas de la ciudad, llenando de alegría y color numerosos espacios urbanos en el frío invierno madrileño. Al igual que lo ocurrido en pasadas ediciones celebradas en Londres, Nueva York, París, Tokio, miles de personas en Madrid han sucumbido ante este fenómeno internacional llamado Cow Parade, que ya se ha celebrado en más 50 ciudades de todo el mundo.

No obstante, todas las cosas humanas son finitas, y el próximo 21 de marzo llegará a su fin esta novedosa iniciativa surgida en 1999. Durante los últimos dos meses en Madrid, el Cow Parade ha cumplido fielmente su «objetivo de aprovechar los espacios públicos como plataforma de exhibición artística» y a través del trabajo de numerosos artistas, diseñadores o creadores plásticos que han aportado su talento en cierto modo hacer el Arte más democrático y accesible el Arte a todos los ciudadanos. A su vez, no debemos olvidar que esta iniciativa cumple un loable propósito pues al término de la exposición se realizará una subasta benéfica de las vacas, y el dinero que se logre recaudar será destinado a distintas ONG`s.

Por lo tanto, exhorto a todas aquellas personas que aun no han podido ver las vacas del Cow Parade, a que aprovechen y lo hagan durante este fin de semana pues estos son los últimos días en que las veremos pastando por la Puerta del Sol, la Gran Vía, la Plaza de la Cibeles o el Parque del Retiro.

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Los prerrafaelitas en el Museo del Prado

Flaming June de Fredrick Lord Leighton (1830-1896)

Una colección excepcional

Hoy, 24 de febrero se ha inaugurado en el Museo del Prado la exposición, “La bella durmiente. Pintura victoriana en el Museo de Arte de Ponce”. La muestra patrocinada por el BBVA “contribuye a paliar temporalmente la escasez de pintura británica en el Prado y reúne una selección de 17 obras (10 pinturas y siete estudios sobre papel) de la pintura inglesa del siglo XIX”.

Las 17 obras reunidas están ligadas al movimiento prerrafaelita y pertenecen a la colección del Museo de Arte de Ponce en Puerto Rico. (1) Dicha institución una de las más prestigiosas de América Latina y el Caribe fue fundada en 1959 por Luís A. Ferré Aguayo (1904-2003), filántropo, ingeniero, pianista, destacado político y ex gobernador de Puerto Rico entre 1968-1973.

Ferré fue un rico industrial, gran amante del arte y de la belleza, que viajó por todo el mundo y con gran acierto destino grandes sumas de su fortuna a comprar obras de pintores consagrados pero también, de autores poco apreciados como: Lord Leighton, Burne-Jones o Rossetti cuando nadie apostaba ni valoraba sus trabajos. Gracias a la sensibilidad y visión de Ferré, el Museo de Arte de Ponce alberga hoy día una de las más importantes colecciones de pintura prerrafaelita del mundo y de pintura española en toda América Latina.

La labor de Ferré como mecenas no terminó ahí, pues encargó la construcción de la actual sede del Museo al famoso arquitecto estadounidense Edward Durrell Stone. En 1965, tras la inauguración de la nueva sede donó su vasta colección de Arte constituida por más de más de 2.000 obras al Museo de su ciudad natal de Ponce en el sur de Puerto Rico.

Los prerrafaelitas por primera vez en Madrid

Desde comienzos de 2008, el Museo de Ponce está llevando a cabo importantes reformas y obras de ampliación en el edificio principal de su sede. Por motivo de su clausura temporal que se prolongará hasta 2010, las autoridades del Museo han emprendido un ambicioso programa para dar a conocer al público internacional los tesoros que alberga su colección. Se han programado tres grandes circuitos internacionales mientras que, la colección de pintura impresionista y europea del siglo XIX permanecerá expuesta en Puerto Rico.

El primero de estos tres itinerarios esta enfocado a los grandes maestros de la pintura europea y visitará varías ciudades de Estados Unidos y México. Una segunda muestra itinerante esta dedicada a escultura de Rodin, y visitará varias capitales latinoamericanas. Mientras que una tercera muestra dedicada a pintura inglesa y a los prerrafaelitas estuvo cerca de un año exponiéndose en el Tate Gallery de Londres y ahora recala en el Museo del Prado hasta el 31 de mayo de 2009.

La pintura prerrafaelita una reacción contra el conservadurismo academicista

La Hermandad Prerrafaelita, es una corriente pictórica que surge en Inglaterra hacia 1848 con la «intención de reformar o ir en contra de la pintura inglesa de ese momento, que se regía por unas líneas muy conservadoras y grises establecidas por la Royal Academy».

Las obras de la muestra que se exponen en Museo del Prado están inspiradas en los primitivos italianos anteriores a Rafael. Los prerrafaelitas “toman su nombre de su admiración por los primitivos italianos anteriores a Rafael, una corriente estética cuya aspiración era cambiar el arte religioso y renovarse con el simbolismo romántico o la inspiración libre de la naturaleza, a la que miraban atentamente para saber expresar sus ideas”.

Dos de los lienzos más simbólicos de la pintura inglesa del XIX.

El préstamo con el museo puertorriqueño hace que sea posible contemplar obras que hasta ahora nunca antes se habían visto en España como: “Flaming June o El sol ardiente de junio” de Lord Leighton, y “El sueño del rey Arturo en Avalon” de Burne-Jones, dos de los lienzos más simbólicos de la pintura inglesa del XIX.

A pesar del valor artístico de la muestra, es muy posible que todas las miradas estén puestas en “Sol ardiente de Junio” , la obra más célebre del Museo y una de las más reproducidas a nivel mundial. Puede que muchos de sus admiradores no sepan que su autor se llama Frederick Lord Leighton, y menos que en su época fuese olvidada y poco apreciada tras el rechazo al que fue sometida la obra de Lord Leighton por los críticos, y por la rígida moralidad y los valores de la sociedad victoriana. Por eso hoy día muchas personas se sorprenden cuando conocen que en 1963 el señor Ferré compró este maravilloso cuadro, que representa «a una joven que dormita con un vestido de seda naranja sentada en unas escaleras y acariciada por un sol mediterráneo», por una ridícula cantidad, inferior a los US10.000 dólares.

Como dato curioso, tras varias décadas en su periplo caribeño, Flaming June regresó a Inglaterra en 1996, a raíz de las actividades relacionadas con el centenario de la muerte de Lord Leighton. La reacción de la crítica inglesa e internacional fue unánime en la posterior revalorización que sufrió la obra de Leighton y en especial su «Flaming June». Según rumores y noticias recogidas por la prensa internacional, el Museo ha llegado a rechazar ofertas cercanas a los 25 millones de dólares por desprenderse de su obra mas famosa.

Una ocasión única

Como han señalado varios periódicos españoles esta exposición es una ocasión única e irrepetible en Madrid y en toda España de contemplar no solo a la obra maestra de Leighton “dormida y evadida de todo, mientras se mira la cara con La bella durmiente Burne-Jones. También una gran oportunidad para contemplar la gigantesca e inconclusa obra “El sueño del rey Arturo en Avalon» de Edward Coley Burne- Jones (1833-1898) y el resto de magnificas pinturas que componen la muestra: «La señorita Gladys», de William Holman Hunt (1827-1910 ; «La viuda romana», de Dante Gabriel Rossetti (1828-1882); «La huida de una hereje», de John Everett Millais (1829-1896) o los cuadros de Thomas Seddon (1821-1856). (2)

Veremos que todas estas pinturas no solo reflejan “el mundo onírico y simbólico de William Blake que fue uno de los más reivindicados por estos artistas”. También como se “sentían fascinados por la obra de Fra Angélico o Botticelli, y por un deseo de inocencia y pureza, como ha recordado este lunes el director del Museo de Arte de Ponce, Agustín Artiaga.” Así, “la ensoñación, el sueño, la evocación, las hadas, la luz y la belleza simbólica llenarán las salas del Prado, donde estos días también cohabitarán con la crudeza existencial y la soledad del hombre del siglo XX representada por Bacon».
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1- Para conocer las principales obras de la colección del Museo de Arte de Ponce ver su página web: http://www.museoarteponce.org.
2- La entrada al Museo del Prado y a esta exposición es gratuita de martes a domingo de 6:00 PM a 8:00 PM.

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El pensador de Rodin en Madrid.

Arte en la calle: El pensador’ de Rodin en Madrid

CaixaForum, el museo de la Obra Social La Caixa, celebra el primer aniversario de su nueva sede de El Paseo Prado con la muestra «Arte en la calle. Auguste Rodin en Madrid».

Por tal motivo, en la plazoleta que da acceso al centro se han de exponer hasta el próximo día 22 de marzo unas siete esculturas de Auguste Rodin (París, 1840-Meudon, 1917), entre ellas ‘El pensador’ y 6 de las figuras que componen el «‘Monumento a los Burgueses de Calais».

La exposición forma parte «del programa «Arte en la calle», una iniciativa cuyo objetivo es «sacar el arte de las salas de exposiciones, devolverlo al espacio público y provocar un diálogo con la arquitectura».

«El Pensador» su obra más celebre, se  ha convertido en un icono de la escultura contemporánea, fue creada originalmente por Rodin en 1881. Inicialmente tenia  un tamaño de 71 centímetros, y estaba pensada para formar a parte del conjunto «‘La Puerta del Infierno». Para ello, Rodin pensó incluir una figura que «representaba a Dante , al poeta , al creador meditando sobre su obra», pero,  posteriormente en 1888  terminó convirtiéndose en un tema autónomo.

En 1906 su tamaño fue aumentad hasta los 181 centímetros . Así la obra, alcanza una dimensión simbólica, pues mediante una suscripción pública para sufragar el coste de su  fundición fue ofrecida al pueblo de París .  El dia 21 de abril es colocada frente al Panteón y «aparece como un símbolo de la democracia frente a los problemas  sociales y políticos de la época. En 1922 fue desplazada y transferida al Musée Rodin , con lo que pierde su carga simbólica, pero mantiene su inestimable valor artístico.

De otra parte, el ‘Monumento a los Burgueses de Calais’,de 1884-1888  está compuesto por seis esculturas con las que «Rodin rememora un episodio de la Guerra de los Cien Años, cuando el rey inglés Eduardo III conquistó esa ciudad francesa y obligó a seis burgueses a entregarse para ser ajusticiados a cambio de la salvación del municipio».

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Sorolla en el Prado y en Valencia en 2009. Se amplia la exposicion: «Sorolla. Visión de España».

Sorolla en Museo del Prado en 2009

La trascendencia del acuerdo alcanzado esta semana entre la Hispanic Society of America de Nueva York y Bancaja de Valencia debe ser considerado como una de las noticias culturales más importantes del año en España. Gracias a este nuevo acuerdo, la institución cultural estadounidense cederá temporalmente un total de 12 obras del pintor valenciano Joaquín Sorolla para que se exhiban en el Museo del Prado en Madrid y en Valencia junto a las 14 obras que componen la exposición ‘Visión de España’.

El acuerdo permite que, casi noventa años más tarde se cumpla el viejo deseo del pintor Sorolla de ver expuesta su obra en El Prado. Con ello, se hace un acto de justicia a Joaquín Sorolla quien hasta la fecha de su muerte en 1923 era el pintor español más exitoso y admirado a nivel internacional, pero quien en vida se vio imposibilitado de recibir tal honor debido a los celos mezquinos de un sector de la “España cainita” que escudada desde sus despachos de académicos y el poder institucional conspiraron para que Sorolla, el «maestro de la luz del Mediterráneo» nunca pudiese ver sus cuadros colgando en los mismos muros que otros genios de la pintura española como: Velázquez, Goya, el Greco, Murillo o Zurbarán. También, debido a ciertos aspectos legales relacionados con el proceso de creación de su obra cumbre: Visión de España, que estableció que la obra tenia que primero que ser expuesta en la sede de la Hispanic Society en Nueva York.

La estrecha relación entre Sorolla y la Hispanic Society of America de Nueva York

La Hispanic Society of America fue fundada en 1904 por el filántropo e hispanista estadounidense Archer Huntington. Hoy día, está considerado como el más importante museo de arte español fuera de España, con una colección propia de más de 800 pinturas, 600 acuarelas, 1.000 esculturas y 6.000 objetos decorativos, así como una valiosa colección de textiles.

También, la institución neoyorquina es propietaria de una importante colección de grabados y de una colección fotográfica con más de 175.000 fotografías que se remontan hasta 1850. La biblioteca de la institución cuenta con más de 200.000 manuscritos; más de 250.000 libros, de ellos 250 son incunables y unos 17.000 son anteriores a 1701.

La primera exposición sobre Sorolla organizada por la Hispanic Society en Nueva York tuvo lugar en 1909, y gozó de un éxito enorme, desde entonces son más de dos millones de personas, las que han podido apreciar el arte español en la ciudad norteamericana.

Sorolla y su particular Visión de España
En 1911, Sorolla se comprometió con Archer Huntington a pintar para la Hispanic Society of America una serie de obras que representarán la particular visión del artista sobre España. Con ese propósito en mente, Sorolla viajó por todo España recopilando información y haciendo apuntes para su proyecto y los conceptos que quería incluir en la que sería su obra más ambiciosa. Sorolla entre 1911 y 1919, trabajo arduamente en la creación de los 14 lienzos de su obra. Al año de terminar el último lienzo, «Ayamonte. La pesca del atún», el artista sufrió una hemiplejia que le mantuvo incapacitado hasta su muerte.

La enfermedad del artista generó una serie de contratiempos y conflictos jurídicos relacionados con el pago y la entrega de la obra a sus propietarios. Hasta el punto de que tuvieron que transcurrir 3 años desde la muerte del artista para que los cuadros viajaran finalmente hasta Nueva York. Poco antes de la marcha de los cuadros, hubo voces que exigieron se expusieran en España antes de su partida definitiva y que se obviará la cláusula de exclusividad firmada por Sorolla que estableció que Nueva York sería el primer lugar en donde se exhibiría la obra. Pero, los abogados de la institución cansados de esperar desde 1919 por la entrega de la obra, y ateniéndose a lo estipulado en las cláusulas del contrato no lo permitieron

Sorolla. Visión de España: una exposición itinerante
En 2006, gracias al acuerdo entre la Hispanic Society of New York y Bancaja de Valencia se ha expuesto por primera vez este conjunto de obras nunca antes vistas en España. El director honorífico del Museo del Prado y comisario de la exposición «Sorolla. Visión de España», Felipe Garin señala que la exposición sobre Sorolla ha sido todo un éxito y que «ha sido visitada por 746.338 personas solo en sus tres exposiciones de Valencia, Sevilla y Málaga”.

Actualmente, esta exposición itinerante se encuentra en Barcelona. Allí estará expuesta en el Museo de Arte de Cataluña hasta día 11 de enero de 2009. Posteriormente, se trasladará hasta el Museo de Bellas Artes de Bilbao, que acogerá la muestra entre el 2 de febrero y el 12 de abril.

Sorolla en Madrid
El nuevo acuerdo anunciado esta semana permite que se incorporen a la exposición de ‘Sorolla. Visión de España’, 12 nuevas obras de Sorolla y a su vez, se extienda el plazo de la exposición en Madrid hasta el 6 de septiembre de 2009 y en Valencia hasta enero de 2010.

La exposición “Sorolla. Visión de España”’ en el Museo del Prado será inaugurada el 26 de mayo. Estoy seguro que sin duda será uno de los acontecimientos culturales mas importantes del 2009 en España y una buena oportunidad para resarcir una gran injusticia histórica y a su vez, para que los amantes de la pintura pueden disfrutar del talento del genio valenciano.

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El libro más caro del mundo se expondrá en Nueva York desde hoy martes 2 de diciembre.

El libro más caro del mundo se expondrá en Nueva York

Desde hoy, 2 de diciembre se expondrá en la Biblioteca Pública de Nueva York, uno de los 99 ejemplares del libro más caro del mundo, ‘Michelangelo. La dotta mano’.

La inusual publicación tiene un valor de 130.000 dólares y está considerada como “una obra de arte en sí misma”, dado que en su portada reproduce en mármol y a tamaño natural el bajorrelieve ‘La virgen de la escalera’, del artista renacentista italiano Miguel Ángel Buonarotti (1475-1564).

Esta reproducción de la obra, que el genial Miguel Ángel esculpió cuando aun era un adolescente ha sido realizada con el mismo material y medidas que el original que se conserva en la Casa Buonarotti de Florencia en Italia. El bajorrelieve está hecho con mármol de Polvaccio tiene unas dimensiones de 56,7 por 40,1 centímetros, y un peso de 24 kilogramos. Las 264 páginas que componen el excepcional libro son textos del primer gran historiador del arte, Giorgio Vasari (1511-1574), y han sido confeccionadas con “papel barnizado opaco de 200 gramos producido por la Cartiere del Garda de Riva del Garda en Milán”.

Según ha trascendido, una vez concluya la exposición, el próximo 8 de diciembre el ejemplar expuesto “será donado a la institución neoyorquina por Marilena Ferrari, la presidenta y administradora general del grupo editorial FMR”.

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La India, invitada de honor de ARCO 2009

La India, invitada de honor de ARCO 2009

La Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid (ARCO) anunció recientemente que este año la India será el país invitado de honor para la vigésima octava edición de la Arco 2009, la importante Feria Internacional de Arte que se celebrará en Madrid entre los días 11 al 16 de febrero de 2009.

Con motivo de la promoción de la participación de la India en la Feria se ha organizado el programa ‘Panorama: India’ en dos de los centros artísticos más importantes del país: Nueva Delhi y Mumbai.  ‘Panorama: India’ es un proyecto cuyo comisario es el artista Bose Krishnamachari, curador de varias destacadas exposiciones de arte indio a nivel internacional.  Se espera que «estén representadas 13 galerías procedentes de algunos de los centros culturales más emblemáticos del país como Kerala, Bangalore, Mumbai o Nueva Delhi».

En cuanto a la participación de la India en ARCO 2009 en Madrid se calcula que más de 50 artistas indios estarán presentes en el programa de ARCOmadrid_2009. Por lo tanto, solo nos resta esperar hasta febrero para poder disfrutar de su talento y juzgar por nosotros mismos como la emergente producción artística de la India ha colocado al país como uno de los cinco mercados mas importantes del mundo para el arte contemporáneo.

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Entre dos siglos. España 1900

Entre dos siglos. España 1900

La exposición Entre dos siglos. España 1900 se inauguró el pasado 14 de octubre de 2008 en la Sala de Exposiciones de la Fundación MAPFRE, en Madrid. La muestra consta de un total de 89 obras de los artistas más importantes de la pintura española de fin de siglo, y abarca desde Joaquín Sorolla hasta el primer Miró.

Según el catálogo de la exposición pretende ser “una visión panorámica de las muchas tendencias y posibilidades plásticas que confluyen en un momento histórico crucial en la historia del país: el paso del siglo XIX al XX”. En verdad, la exposición no defrauda por que refleja la enorme riqueza y diversidad creativa del arte español de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Las numerosas salas que acogen la muestra recogen maravillosos ejemplos de la obra de: Ignacio Zuloaga, Ramón Casas, Santiago Rusiñol, Julio Romero de Torres, Hermenegildo Anglada-Camarasa, Aurelio Arteta Joaquín Mir, Isidro Nonell, Darío de Regoyos, Joaquín Sunyer, Josep de Togores y de los jóvenes Picasso, Salvador Dalí y Joan Miro.

Los organizadores de la muestra han podido contar con la generosa colaboración de prestigiosos museos y colecciones españolas e internacionales, como el Musée d´Orsay de Paris, el Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba, el Museu Nacional d´Art de Catalunya, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Museu Picasso de Barcelona y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid que han prestado importantes lienzos para que la exposición sea todo un éxito. 

Entre dos siglos. España 1900, nos presenta como en la coyuntura o transición de dos siglos, los pintores y artistas españoles asimilan y plasman en sus trabajos toda una serie de influencias, tendencias culturales y movimientos artísticos que colocan a sus obras en un continuo debate entre ser fieles a unas tradiciones pictóricas o a la modernidad; un debate que va desde lo castizo hasta las vanguardias internacionales de la época.  Pero más importante aun, esta muestra nos permite “evaluar y situar la evolución artística española en un contexto cosmopolita”, más allá de los tópicos y de las visiones estereotipadas de una España negra y atrasada culturalmente que algunos estudiosos e historiadores hasta hace muy poco tiempo persistían en imponernos.

Afortunadamente, la realidad es otra… Entre dos siglos. España 1900 refleja el excepcional resultado  de un momento único en la historia de la cultura en España del cual se nutren estas generaciones de pintores que viven a caballo entre la España de la Restauración y el inicio de la Guerra Civil.  Vemos que contrario a las voces internas y externas de algunos que quieren imponer opiniones sesgadas, totalizadoras sobre el atraso o el aislamiento , el lugar de España esta en Europa, que es allí donde siempre ha estado… pero con su especial afirmación de lo español dentro lo europeo.  De este oscilar entre la tradición y la modernidad, de esta encrucijada entre la Generación del 98 y la Edad de Plata de la cultura española es donde se funden y superponen estas obras que se insertan en el modernismo, el simbolismo y el postimpresionismo.

De manera que vemos que, en cada una de las obras expuestas late y pugna el afán de su creador de fundir en sus propuestas personales, su particular visión del Arte y de lo español, “para configurar la modernidad artística española, una modernidad que basa sus señas de identidad en la tensión entre lo clásico y lo moderno, lo castizo y lo cosmopolita.”  Sin este momento particular entre dos siglos en España 1900, es imposible entender el hecho de que si surgen en el país figuras de la talla de Juan Gris,Picasso, Dali o  Miro no fue por puro azar o mero accidente…

Por todos esos motivos, les invito a ver esta exposición que podrá visitarse hasta el 25 de enero de 2009 en la sala de exposiciones de la Fundación MAPFRE localizada en su nueva sede del Paseo de Recoletos número 23 en Madrid.

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Rembrandt en Madrid

“Rembrandt. Pintor de historias”
Llevaba meses esperando y por fin, este jueves 16 de octubre, tuve la gran oportunidad de visitar el Museo del Prado para ver la exposición “Rembrandt. Pintor de historias” que recién ha comenzado este pasado miércoles 15 de octubre y que se prolongará hasta el día 6 de enero de 2009.

“Rembrandt. Pintor de historias” es una oportunidad única de poder contemplar por primera vez en el Museo del Prado una muestra que recoge 35 obras de Rembrandt Harmenszoon van Rijn uno de los pintores mas importantes de todo los tiempos. Todavia estoy emocionado de reencontrarme o de poder contemplar por primera vez obras tan importantes como: Jeremías lamenta la destrucción del templo (1630), Pedro y Pablo, El rapto de Europa (1632), La negación de Pedro, Artemisa (1634) Flora (1635), La fiesta del Rey Baltasar (1635), Sansón cegado por los filisteos (1636), Susana y los viejos (1647), Betsabé 1654), El apóstol Pablo (1657), Autorretrato con traje oriental (1651), Flora (1654), Autorretrato como Zeuxis (h.1667-1668).

La exposición recorre las diferentes etapas del genial maestro holandés, gracias a los préstamos de grandes instituciones del mundo como: el Rijksmuseum de Ámsterdam, el Musée de Beaux Arts de Paris, el Hermitage, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, The National Gallery de Washington, el Louvre, The Boston Fine Arts Museum, The Jean Paul Getty Museum de Los Ángeles, The National Gallery de Londres entre muchas otras.

Se trata de un importante acontecimiento cultural en España ,si tomamos en consideración que “Artemisa” es la única obra de Rembrandt con la que cuenta el Museo del Prado en los fondos de su colección.

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